LES ARTISTES
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Anne-Marie Paul
Prix de Rome
Anne-Marie Paul (1949 – 2005) Prix de Rome
Née en 1949 à Nice, Anne-Marie Paul, issue d’une famille d’artistes, abandonne très vite le cursus scolaire pour se consacrer à l’étude du dessin et de la peinture.
En 1968 à la fondation de Saint Paul de Vence, elle présente ses gouaches à l’un des plus influents mécènes de l’époque, Aimé Maeght qui l’encourage en lui achetant des œuvres et en suivant son évolution de prés.
A cette époque, Anne-Marie se lie d’amitié avec Joan Miro et travaille dans son atelier, c’est alors qu’elle se tourne peu à peu vers la sculpture et décide de mettre ses dessins en volumes.
De 1969 à 1973, elle étudie à l’Ecole Nationale des Beaux-Arts de Paris aux cotés d’Etienne Martin et de César. Elle y fera deux rencontres décisives pour le reste de sa carrière : Georges Mathieu et Alexandre Calder, avec lequel elle a un lien de parenté.
Dès 1968, elle séjournera régulièrement chez la famille Calder à Saché, où on lui attribuera une pièce pour travailler. Pendant ces quelques mois, elle exécutera ses gouaches, sous la bienveillance du maitre.
A 25 ans, elle reçoit la plus prestigieuse des récompenses en obtenant le prix de Rome avec son bronze intitulé : l’éternel fiancé.
En résidence à la Villa Médicis de 1974 à 1976, elle découvre l’art Antique et la sculpture classique. C’est à Rome que son style unique commence à émerger, mêlant la sensualité visuelle et l’anamorphose. Anne-Marie trouve ainsi sa signature artistique dans un style à la fois abstrait et figuratif, moderne et classique.
Elle recevra également l’immense honneur d’étudier avec Balthus qui sera un ami fidèle et un critique constructif ainsi que son directeur artistique.
En 1984, elle rencontre un important mécène américain, William Chardack, célèbre cardiologue inventeur du pacemaker.
Lors de son séjour à New York ou elle expose, son style change et sera désormais le reflet de son intense humanité et de sa façon plus spirituelle d’aborder la vie.
En 1988, elle est nommée « Sculptrice en résidence » à l’université de Paris VIII ou elle obtient son propre atelier pour y enseigner et créer.
Ses gouaches abstraites et colorées ainsi que ses bronzes empreints d’une grande poésie seront exposées et collectionnées au niveau international.
Elle terminera ses jours à Paris ou elle décède en 2005
Roz Stroll
Artiste minimaliste canadienne
Roz Stroll
est née à Montréal, Québec, en 1944.
Elle a été l’une des premières artistes minimalistes canadiennes à initier la sculpture à l’acrylique (Altuglass ou Plexiglass)
A étudié sous la direction du Dr Arthur Lismer, CC, LL.D., RCA, OSA (Groupe canadien des Sept) en 1966-69 elle est diplômée de l’École d’art et de design du Musée des beaux-arts de Montréal.
Toutes ses sculptures sont des œuvres d’art originales, influencées par le mouvement artistique Light and Space de Californie des années 1960-1970.
Au départ, elle travaillait strictement avec des blocs transparents d’acrylique coulé. Puis à partir de 1969 elle commence à ajouter des feuilles de plexiglas de couleur à ses sculptures ce qui offre une variété infinie de contrastes et renforce l’aspect dramatique de certaines de ses sculptures.
Roz Stroll réalise des études spéciales sur les artistes underground contemporains du cinéma expérimental et d’avant-garde d’Andy Warhol et d’autres.
Elle étudie la couleur auprès de Vasarelli et J.Albers dont elle tire ses magnifiques chromatismes pour ses acryliques.
La lumière est la force de l’existence dans les sculptures de Roz.
C’est l’harmonie d’une variété infinie, c’est le pouvoir du changement tant dans les formes et dans la couleur.
La technique de Stroll consiste à sélectionner soigneusement des blocs de plexiglass d’une épaisseur précise qu’elle soude sous pression en feuilles de couleur fine.
La plupart de ses couleurs sont fluorescentes, donc la lumière sera piégée et balayée autour de l’œuvre.
Son travail a été produit à Paris, en France, de 1969 à 1984 où elle vivait et a été exposée à l’international.
Elle terminera ses jours au Canada ou elle décèdera à la fin de l’année 2023
Solo Exhibitions
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1972-73 Galerie Doucet Coutureau, Paris, France
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1973 Galleria De La Primera Entidad, Caracas, Venezuela
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1974 French Chamber of Commerce, London, England
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1975 Chelsea Gallery, London, England
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1977 Gallery 99, Bay Harbor Islands, Miami, Florida
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1979 Galley Gemini, Palm Beach, Florida
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1981 Galley Gemini, Palm Beach, Florida
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1989 Mann, Chagrin Falls, Ohio, USA
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2005 Mann, Chagrin Falls, Ohio, USA
Private Collections
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USA, CANADA, VENEZUELA, BRAZIL, FRANCE, GREAT BRITAIN, MONTE CARLO, SWITZERLAND, ISRAEL, QATAR, MOSCOW.
Some Famous Collectors
Max STERN, former owner of Dominion Gallery, Montreal.
Dr. Joseph WENER, Montreal
Kenneth SCHNITZER, major real estate developer in Houston, Texas
Pierre CARDIN, Paris
Willy Rizzo
Designer de la Jet Set
Willy Rizzo (1922-2013)
Willy Rizzo est un photographe de presse et designer italo-français, né en 1922 le 21 octobre à Naples, Willy Rizzo a débuté sa carrière de photographe de presse à Paris très tôt dans les années 40 jusqu’à la fin des années 60.
Grand photographe de personnalités, de mode et de grands reportages.
Il photographie les plus grandes stars pour Paris-Match. Dali, Brigitte Bardot, Sagan, Lennis Kravis, Jack Nickolson, Saint Laurent, Pierre Cardin, Maria Callas, Christian Dior, Coco Chanel….
Il a exposé dans le monde entier : à la Galerie Agathe Gaillard à Paris, à la Galerie Bukamura à Tokyo, à la Maison de la Photographie à Moscou, chez Mallett gallery à New York et Londres, au Grimaldi Forum de Monaco, ou encore au MUBE à São Paulo.
En 1968, il repart vivre à Rome et fonde sa société où il crée sa propre collection de meubles, influencé par de grands noms comme Le Corbusier ou Mies Van Der Rohe. Il prévilégie les matériaux nobles comme le bois, le marbre, le laiton et l’acier inoxydable.
Willy Rizzo a toujours aimé les belles choses, les belles antiquités, il a su créer un mobilier contemporain qui s’intégrait parfaitement avec l’ancien
« Imagination et fort style moderne, qui se joint très bien avec tout autre environnement » définit le style italien des années 1965-1980 dont Willy Rizzo se revendique.
Les commandes affluèrent de toute la Jet Set et haute société italienne fortunée.
Salvador Dali lui a commandé plusieurs pièces ainsi que Brigitte Bardot pour l’intérieur de la Madrague à Saint-Tropez.
Il a meublé des appartements d’aristocrates dans le Palazzo Borghese et le Palais Ruspoli. Le style Rizzo marquait une époque. Considéré comme le designer de la Dolce Vita.
Il lance ses points de vente dans le monde entier. « Imagination et style moderne fort » sont les mots qui définissent son style. Aujourd’hui sa table Elliptique en marbre est exposée au MoMA à New York.
En 2009, ils ouvrent le Studio Willy Rizzo de Design et de Photographie au 12 rue de Verneuil, à Paris, dans le quartier de Saint-Germain-des-Prés.
Willy Rizzo décède le 25 février 2013 à Paris 13e mais son Studio continue de faire vivre son travail à travers des expositions et de nombreux projets.
Paolo Buffa
Raffinement et qualité
Paolo Buffa (1903 – 1970)
Paolo Buffa est né en Italie
Il est diplômé de l’Ecole Polytechnique de Milan. Une fois ses études et son apprentissage chez Gio Ponti terminés, il fonde en 1928 son propre cabinet d’architecture avec A. Cassi Rimelli.
Ils seront à l’origine de nombreuses constructions, toutefois Buffa possède un attrait particulier pour le design. Le raffinement et la qualité de ses pièces sont remarquables, elles ont su séduire une clientèle bourgeoise attentive au fonctionnalisme et au modernisme. En 1947, il participe avec d’autres designers à l’exposition « The modern style of Furnishing ». Le roi d’Egypte lui demande en 1952 de concevoir l’ameublement de son yacht.
Le mobilier pensé par Buffa se caractérise par ses allures modernes et traditionnelles à la fois. Soucieux de réaliser des pièces au confort remarquable, il souhaitait également dessiner des meubles aux courbes élégantes. Tout au long de sa carrière, il a conçu une grande variété de meubles comme la commode « Double Dresser » (1960) ou bien encore les fauteuils Hotel Bristol (1953).
Bien que Paolo Buffa soit quelque peu méconnu du grand public, il n’en demeure pas moins un grand designer du XXème siècle.
Peter Hvidt
Mobiliers mythiques
Peter Hvidt (1916 – 1986) est designer et architecte danois du 20 ème siècle
Peter Hvidt est né en 1916 au Danemark. Après avoir étudié à l’Ecole de Design de Copenhague, il travaille au sein de différents ateliers avant de fonder son propre studio en 1942.
Il s’associe deux ans après avec Orla Molgaard-Nielsen avec qui il fonde l’entreprise Hvidt & Molgaard à Copenhague.
Cette collaboration sera positive.
L’entreprise est pionnière dans la production industrielle de meubles danois dans les années 50 qu’ils dirigeront jusqu’en 1975.
Ils ont non seulement conçu des pièces mythiques du mobilier design du 20ème siècle, mais ils ont également travaillé autour de plusieurs projets d’architecture au début des années 1970 avec Hans Kristensen.
Ils sont notamment à l’origine de logements collectifs au Danemark. Il reçoit à deux reprises (en 1951 et 1954) le Diplôme d’Honneur à la Triennale de Milan.
Ses créations sont exposées au Musée d’Art Moderne de New-York, à la National Gallery de Melbourne et au musée danois d’Art et Design à Copenhague.
Hans Eichenberger
Design Suisse
Hans Eichenberger (1926 – 2024) est un designer Suisse du 20ème siècle. Il est principalement connu depuis les années 50.
Il est célèbre pour la colonne Wogg 13 conçue en 1994. Elle fait partie des pièces mythiques du design du XXème siècle. Il est également le designer d’une ligne de canapés en cuir pour Strässle Switzerland (1979).
Hans Eichenberger est né en 1926 en Suisse
Il suit un apprentissage en menuiserie puis effectue plusieurs stages en tant que dessinateur. En 1960, il fonde son propre atelier et commence dès lors une collaboration avec l’Atelier 5.
Au total, ce sont plus de 35 sièges qui ont été conçus par le Eichenberger, dont le fauteuil Expo (1964) et la chaise Saffa (1955). Il a également été en charge de l’aménagement de restaurants, de magasins, de librairies mais aussi de banques.
Son travail a été plusieurs fois exposé notamment au Musée d’Art Moderne de New-York, au Musée du Design de Zurich et au Musée Vitra Design à Weil am Rhein.
Le designer a par ailleurs travaillé pendant des années au développement de wagons pour les CFF et de fixations de sécurité pour le ski. Ses wagons aux sièges recouverts de tissu bleu et rouge sont notamment devenus célèbres. En 2016, à l’âge de 90 ans, il recevait le Grand prix suisse du design.
Torbjorn Afdal
Légende du design Norvégien
Torbjorn Afdal
Diplômé de l’Académie Nationale des Arts, il s’est très tôt passionné pour le design, les formes et les matières comme le palissandre, le teck, l’acier ou bien encore le cuir.
Ses pièces les plus célèbres sont la chaise Broadway (1958), la chaise Form (1960) et le banc multi-usage Krobo (1960).
Sa plus belle récompense est certainement l’achat de mobilier qu’il a dessiné par le Président John F. Kennedy et par l’Empereur du Japon.
En Norvège, Afdal est perçu comme une véritable légende du design.
Ludovico Diaz de Santillana
Manufacture italienne du xxe siècle
Ludovico Diaz de Santillana (1931-1989)
Ludovico Diaz de Santillana est né en 1931 à Rome. Il est le mari d’Anna Venini (Anna est la fille de Paolo Venini) et le père de Laura de Santillana.
Après la mort de Paolo Venini en 1959, Ludovico de Santillana prend la direction artistique de la manufacture familiale.
En tant que propriétaire, Ludovico de Santillana a donné une grande visibilité au verre dans le monde de l’architecture.
Il a ouvert les portes de l’entreprise à de jeunes Américains, dont Thomas Stearns, Ken Scott et Benjamin Moore par exemple.
Il a également collaboré avec Tobia Scarpa, le fils de Carlo, notamment pour le développement de la série «Battuti», qui a rencontré un grand succès commercial.
Ludovico a également travaillé sur l’expansion internationale de Venini et sur l’utilisation d’éléments en verre dans des projets architecturaux… équilibre délicat entre artisanat d’art, design et industrie.
Autre création de l’artiste
Paolo Venini (1895 – 1959)
Grand verrier italien
Paolo Venini (né en 1895 – décédé en juillet 1959 à Venise, Italie), verrier italien, designer et fabricant de verrerie, dont les œuvres se distinguent par leur combinaison de technique traditionnelle et de forme moderne.
Son usine de verre à Murano a contribué à un renouveau de la fabrication de verre d’art dans les années 1930 et 1940 et a employé certains des meilleurs designers de l’époque, parmi lesquels Gio Ponti et Tyra Lundgren.
Bien que Venini ait reçu une formation d’avocat, sa famille était active dans le secteur de la verrerie en Italie depuis le XVIIIe siècle. En 1921, après avoir pratiqué le droit à Milan pendant une courte période, il a acheté une société dans une entreprise de verre de Murano, créant sa propre Venini and Company quatre ans plus tard. Dès le début, l’atelier de Venini a produit une belle vaisselle qui avait des années d’avance sur le travail d’autres designers contemporains.
Ses propres créations étaient d’une simplicité saisissante, leur pureté de contour contrastant avec des combinaisons inhabituelles de couleurs travaillées dans le verre en fils, treillis, grilles audacieux en forme de rayures et, parfois, à la manière traditionnelle vénitienne millefiore.
Ses abat-jour en verre translucide à rayures audacieuses ont été acclamés par la critique.
Ses pièces sont exposées dans des musées et sont considérées comme des exemples parfaits de l’art du verre moderne.
René Lalique (1860-1945)
Un verrier hors pair et reconnu à l’international
René Jules Lalique (français, né le 6 avril 1860 à Aÿ – décédé le 1er mai 1945 à Paris), bijoutier et verrier, est une figure importante de l’Art nouveau. Lalique suit une formation d’orfèvre, puis étudie à l’École des arts décoratifs de Paris et à la Crystal Palace School of Art de Londres. René Lalique entre en apprentissage en 1876 chez le bijoutier Aucoc.
Il s’installe en tant que dessinateur en chambre et fournit les plus grands bijoutiers comme Jacta, Boucheron, Cartier, Gariod… En 1885, il reprend l’atelier du joailler Jules Destapes et se lance pleinement dans sa carrière de bijoutier En 1885, il crée sa propre compagnie à Paris et commence à créer des bijoux et d’autres objets en verre.
Le travail du verre et de l’émail a occupé un pan très important de la carrière de René Lalique. Il va explorer les possibilités offertes par ces matériaux en produisant dès 1907 des flacons de parfum pour François Coty qu’il va dessiner en fonction des fragrances qu’ils sont destinés à recevoir. La collaboration entre les deux hommes marque un véritable tournant dans l’histoire de l’industrie de la parfumerie.
Quelques années plus tard, René Lalique ira jusqu’à se consacrer entièrement à des techniques de production industrielle du verre en louant puis en achetant la verrerie de Combs-la-Ville. Il expérimente alors tous les aspects du verre de sa transparence à ses reflets et passant par son opacité.
René Lalique a ainsi porté un regard nouveau et unique sur le matériau qu’est le verre.
Il marque les périodes de l’Art nouveau et de l’Art Déco par son style unique et reconnaissable entre tous.